Mittwoch, 27. September 2017

The month for contemporary music - first impressions of three concerts

The Month for Contemporary Music: A wonderful idea to increase the visibility (or audibility) of new music. The opening concert was played by Ensemble Mosaik in the Heimathafen, where the works of two composers were presented as a portrait concert. Johan Svensson and Michael Beil were given the opportunity to focus on composing for a month by the Ernst von Siemens Musikstiftung and to present their results directly in this concert.

Permanent clicks and flickers, with small diodes flickering through the Heimathafen during the Ampèrian Loops (three pieces of Svensson). Svensson has built solenoids, which are described in the program book as "small cylindrical coils, which in contact with acoustic objects become archaic-futuristic sound generators". Unfortunately, these solenoids are not explained either in the program or in the concert, so that we have to live somehow with the hectic clacking, jingling, hammering, sounding. In the intermission, the first question is how these things actually work, and what the focus is now on: the pieces themselves, or the interaction of "man and machine" as described in the program booklet.

As I wrote it in the post "The Edges of Musical Modernism", the focus on "Music in itself" is something tough to swallow for me. Unfortunately, the described interaction in the pieces between man and machine remains unclear since it is simply not explained how this interaction works exactly. Or what is specific to the interaction of humans and solenoids, as opposed to the interaction of man and oboe, man and computer, man and mixing console. An explanation in the program, or better still in the concert itself, was not given, so the listeners are left alone with the usual focus on "the music in itself". I would argue that if there is talk about the fact that New Music has to open up the discussions, there seems to be a misunderstanding here. Even if the music aesthetic and musicphilosophical discourses go in a completely different direction, and always only discuss what music is still possible (or now only) and what is not (as in the break from all corners, again and again, heard "Rihm can no longer be played today"), the discussion must really be turned around the music conditions and making music. You can talk a lot about whether this or that piece is still working today or not, and the musicians can also take their own position: the difference is apparently (why else to build solenoids?) not the music itself, but the fabrication of music.

As I said, there was nothing explained in the concert. Only the own "fast-running-through-the-rows" after the concert could open the view for the music somewhat: Then you could see that such solenoids were partly some clappers, mechanically-electrically controlled, hammered on water glasses, and with a diode lighting up when they were played. Who finally played something, and what is special about the use of these buttons, remains however questionable. The question remains to what extent the interaction between man and machine has somehow been re-launched, or even differently, and how the musical product differs from others. Because this question is not clear to me, I am giving it to the plenum.

In the compositions of Michael Beil, this was, fortunately, easier to answer: in collaboration with cameras and video recordings, the musicians had to go to specific positions and performances, which were then projected on a screen - just a few seconds later. Previously stupid-looking movements, suddenly made sense on screen, because someone was still playing the empty movement, giving it a content. Just the first piece of Beil Exit to Enter turned out to be a very entertaining show: musicians who were constantly running up and down, to shoot a few seconds lasting videos, then had to play again, etc. That was a permanent up and down, and a strong coordination performance. Entertaining and confusing at the same time: as the screen and the videos to be recorded were placed directly next to each other.

The fabrication of this music actually moved to the background, because at the moment of the happening was constantly concentrated on the interface canvas. Thus, Beil also describes in the program book that the focus is increasingly shifting nowadays, and unconditionally accepted. Beil's naivete, on the other hand, as he noted at the premiere of his play, Key Jack, that a pianist playing on the board, whose sounds come from elsewhere, did not marvel at anyone (to his astonishment), we can hardly believe that: We all know children, or table-playing piano, air guitar is established as a festival. The fact that you can still pack thereto sounds, that have been looped, sampled, or played live, can be directly grasped at a playful level. Beil's great abstraction succeeds here only very limping: That the difference between man and machine supposedly (at least partially) can no longer be determined, I think is a bad joke - already only because many of the highly complex performances are always slightly flawed: videos need to be faster or slower, so they fit in time, snipers, which should turn a video on or off will not be exact. Don't take me wrong: I consider this a huge achievement, and the small mistakes are also nothing bad. They merely render the metaphor "man/machine" invalid. 

Wherein Beil is quite wonderful, is the playful confusion, where exactly what happens, and which can not actually belong to the stage (or does it?). The great abstract thoughts can be safely skimped since they do not add anything serious to the game.  Laughter and smirk were always present in the room - probably the musical-acoustic was more secondary.

Unexpectedly just the opposite of this kind of music could be heard in the Tiergarten on Sunday:  The Berlin celebrity musician Jeffrey Bossin invited in September to New Music for Carillon. Every Sunday at 3 pm he plays works from the 20th and 21st century. I do not want to say anything about the works, but to the specifics of what this instrument offers: the carillon is not finished, there is already a tradition of its playing mode, but still one tinkles to the "right" bells (for example, which do not always make the major third as overtone audible), dampers or the like. The special thing about this music lies not in the music itself, but clearly in the bell tower. A guided tour is absolutely obligatory (even if the thighs at 42 steps at some stage in this musical experience begin to moan). A carillon - like Bossin explains -  is not like a piano or grand piano: those have already been built millions of times, and have been standardized and professionalized to the extreme. The carillon also eludes the idea of wanting to play it some other way, since you are generally happy to be able to use it at all (if you consider that for the big bells, 4 kg of weight is needed to strike them at all). In addition, there are difficulties in the production of music on the political side, which I do not want to perform here, but which are very difficult to swallow in the execution of Bossin. 

What makes the instrument great are these "feeling like an idiot" moments that make music tangible and comprehensible: When Stefan stood in the bell tower, a similar picture emerged, as I did myself in Erwin Wurm's "One Minute Sculpture" titled"feeling like an idiot". To be in the middle of it, and yet somehow overstretched. Uncertain of one's own perception - be-decked, be-flocked, be-solenoid. Yes, it has something to do with music!

Stefan with bell

Dennis with chair

The question is, of course, "what exactly?" 

In my opinion, it is the possibility to get rid of the chair again, or to put it on purpose. In the New Music chairs are always placed on us; whether acoustic, or abstract-theoretical. The question is how to remove the chair? 

After these concerts we went to the Philharmonic again: On Wednesday, 06.09. the Royal Concertgebouw Orchestra Amsterdam played the play IN-SCHRIFT by Wolfgang Rihm and Bruckner's Ninth. I am honest: Rihm is always a favorite of mine! Even though I often think that when you listen to Rihm's works, you could have boiled them down as they are often very long-winded, I find his "Bauchmusik" simply great. Just the picture 'Kreuze aus Tutuguri', percussionists (I think it were 6) plus chorus (recordings) I consider myself a great work! And now I'm just again in the "music in itself" perspective, which I really do not want to reproduce.

Context, therefore!

The concert - I believe can be honestly said - was mostly frequented by Bruckner listeners. The Ninth was applauded vehemently, while I longed for the end already after 20 minutes. Bruckner is kind of like this: Whenever you think it's over, a further development or repetition is presented. In contrast to Rihm, to whom I also propose the evaporation, this would actually be an existential question for Bruckner: I find the music hardly audible. The IN-SCHRIFT is all the more refreshing. One would have liked to hear the work in the room for which it was composed (St. Mark's Basilica in Venice), since here the short and loud tones of the Hall and the depth of the room certainly sounded good. Nevertheless, Rihm always entices me to be inspired - the music fights me. The composed gut feeling does something to me. Somehow it takes the chair off for me.

author: Dennis Eckhard 

Freitag, 22. September 2017

Der Monat für zeitgenössische Musik - erste Eindrücke von drei Konzerten

Der Monat für zeitgenössische Musik: Eine wunderbare Idee um die Sichtbarkeit (oder Hörbarkeit?) von Neuer Musik zu erhöhen. Das Eröffnungskonzert wurde vom Ensemble Mosaik im Heimathafen gestaltet, in dem die Werke zweier Komponisten als Portraitkonzert vorgestellt wurden. Johan Svensson und Michael Beil erhielten von der Ernst von Siemens Musikstiftung die glückliche Chance sich einen Monat lang nur auf das Komponieren zu fokussieren, und deren Ergebnisse dann im Konzert auch direkt präsentieren zu dürfen.

Ein ständiges Klicken und Klackern, mit kleinen Dioden, die bei den Ampèrian Loops (drei Stücke von Svensson) den Heimathafen durchflimmern. Svensson hat Solenoids gebaut, die im Programmheft so beschrieben werden: „kleine Zylinderspulen, die im Kontakt mit akustischen Objekten zu archaisch-futuristischen Klangerzeugern werden“. Was diese Solenoids genau sind wird leider weder im Programm noch im Konzert erklärt, sodass wir erst einmal mit dem hektischen Klackern, Klimpern, Hämmern, Tröten, irgendwie leben müssen. In der Pause stellt sich dann die erste Frage, wie diese Dinger eigentlich genau funktionieren, und worauf nun der Fokus liegen soll: Auf den Stücken an sich, oder auf der Interaktion „von Mensch und Maschine“, wie es auch im Programmheft beschrieben wird.

Wie ich es im Post „Die Ränder der musikalischen Moderne“ geschrieben habe, stößt mir persönlich der Fokus auf „Musik an sich“ mittlerweile etwas auf. Die beschriebene Interaktion von Mensch und Maschine bleibt leider bei den Stücken vollkommen unklar, da schlicht und ergreifend nicht erklärt wird, wie diese Interaktion genau aussieht. Oder eben, was das Spezifische an der Interaktion von Mensch und Solenoids ist, eben im Unterschied zur Interaktion von Mensch und Oboe, Mensch und Computer, Mensch und Mischpult. Eine Erklärung im Programm, oder besser noch im Konzert selber, wurde nicht gegeben, und so werden die Zuhörer*innen wieder mal allein mit dem gängigen Fokus auf „die Musik an sich“ in der Schwebe gelassen. Ich würde festhalten: Wenn immer wieder davon gesprochen wird, dass die Neue Musik sich den Diskussionen öffnen muss, dann scheint es hier ein Missverständnis zu geben. Auch wenn die musikästhetischen und musikphilosophischen Diskurse in eine völlig andere Richtung gehen, und immer wieder nur diskutieren, was denn an Musik heute noch (oder jetzt erst) möglich ist und was nicht (so wie man es auch in der Pause aus allen Ecken immer wieder hörte: „Rihm kann man heute nicht mehr spielen“), muss die Diskussion eigentlich um die Musikbedingungen und das Musizieren gedreht werden. Man kann lange darüber reden, ob dieses oder jenes Stück heute noch geht, und die Musiker*innen können dazu auch selbst Position beziehen: Der Unterschied liegt doch anscheinend (warum sonst solenoids bauen?) nicht auf der Musik an sich, sondern auf der Fabrikation von Musik.

Hierzu gab es wie gesagt im Konzert nichts. Lediglich das eigene „Schnell-durch-die-Reihen-Laufen“ nach dem Konzert konnte den Blick für die Musik etwas öffnen: Dann sah man, dass solche solenoids teilweise irgendwelche Klöppel waren, die mechanisch-elektrisch gesteuert, auf Wassergläser hämmerten, und mit einer Diode anzeigten, wann sie spielten. Wer da letztlich was gespielt hat, und was das Besondere am Bedienen dieser Knöpfe ist, bleibt dann aber fraglich. Die Frage bleibt bestehen, inwiefern hier die Interaktion von Mensch und Maschine irgendwie neu, oder auch nur anders, angegangen wurde, und inwiefern das musikalische Produkt dessen, von anderen unterscheidet. Die Frage gebe ich ins Plenum, weil es mir nicht klar ist.

Bei den Kompositionen von Michael Beil war das glücklicherweise einfacher zu beantworten: In Zusammenspiel mit Kameras und Videoaufnahmen, mussten sich bspw. die Musiker*innen in bestimmte Positionen und Performanzen begeben, die dann – nur wenige Sekunden später – auf der Leinwand zu sehen waren. Zuvor stupid aussehende Bewegungen, ergaben auf der Leinwand plötzlich einen Sinn, weil nun noch jemand zu der eigentlich leeren Bewegung musizierte und ihr dadurch einen Inhalt gab. Gerade das erste Stück von Beil Exit to Enter stellte sich dadurch als ein sehr unterhaltsames Schauspiel da: Musiker*innen die ständig auf und ab liefen, um wenige Sekunden dauernde Videos zu drehen, dann wieder spielen mussten, etc. Ein stetes Auf und Ab, und eine starke Koordinationsleistung war das. Unterhaltsam und immer wieder verwirrend zugleich: Da Leinwand und aufzunehmende Videos direkt nebeneinander platziert waren.

Die Fabrikation dieser Musik rückte tatsächlich bei Beil in den Hintergrund, da man im Moment des Geschehens dauernd auf das Interface Leinwand konzentriert war. So beschreibt es auch Beil im Programmheft, dass sich der Fokus immer mehr heutzutage verschiebe, und bedingungslos angenommen werde. Beils Naivität andererseits, wie er bei der Uraufführung seines Stücks Key Jack bemerkte, dass ein auf dem Brett spielender Pianist, dessen Töne von sonstwo kommen, niemanden verwunderte (zu seiner Verwunderung), kann man kaum glauben: Wir alle kennen Kinder, die Luft- oder Tisch-Klavier spielen, Luft-Gitarre ist als Festival etabliert. Dass man dazu noch Klänge packt, die vorher geloopt wurden, gesampelt wurden, oder live dazu gespielt werden, ist auf einer spielerischen Ebene direkt greifbar. Die große Abstraktion gelingt Beil hier nur sehr hinkend:  Dass der Unterschied zwischen Mensch und Maschine angeblich (zumindest teilweise) nicht mehr auszumachen sei, halte ich für einen schlechten Witz – schon allein weil viele der hochkomplexen Performanzen immer wieder leicht fehlerhaft sind: Videos müssen etwas schneller oder langsamer eingespielt werden, damit sie zeitlich passen, Schnipser, die ein Video ein- oder ausschalten sollen kommen nicht exakt. Man soll mich nicht falsch verstehen: Ich halte das für eine riesige Leistung, und die kleinen Fehler sind auch nichts Schlimmes. Sie machen lediglich die Metapher „Unterschiedslos Mensch/Maschine“ hinfällig.

Worin Beil ganz wunderbar ist, ist das spielerische Verwirren, wo gerade was passiert, und was davon doch eigentlich nicht zur Bühne gehören kann (oder wie?). Die großen abstrakten Gedanken dazu kann man sich ernsthaft sparen, da sie dem Spiel eben keinen Ernst hinzufügen. Das Lachen und Schmunzeln war im Saal immer wieder präsent – wahrscheinlich war das Musikalisch-Akustische hier eher hintergründig.

Genau das Gegenteil von dieser Musik konnte man am Sonntag in unerwarteterweise im Tiergarten hören: Zum Carillon-Festival mit der Berliner Berühmtheit Jeffrey Bossin lädt genannter Musiker im September zu Neuer Musik für das Carillon ein. Jeden Sonntag um 15 Uhr spielt er Werke aus dem 20. und 21. Jhdt. Zu den Werken will ich hier gar nichts verlieren, sondern um das Spezifische, was dieses Instrument bietet: Das Carillon ist nicht fertig, es ist in seiner Spielweise zwar schon tradiert, aber immer noch tüftelt man an den „richtigen“ Glocken (bspw. solche, die nicht immer die Dur-Terz als Oberton hörbar machen), Dämpfer einzubauen oder ähnliches. Das Besondere an dieser Musik liegt eben nicht in der Musik an sich, sondern eindeutig im Glockenturm. Eine Führung ist hier absolut Pflicht (auch wenn die Oberschenkel bei 42 Stufen irgendwann bei dieser musikalischen Erfahrung anfangen zu meckern). Ein Carillon ist eben – wie Bossin zurecht erklärt – nicht wie ein Klavier oder Flügel: Schon millionenfach gebaut, und bis ins extreme Detail standartisiert und professionalisiert. Das Instrument entzieht sich damit auch der Idee, es irgendwie anders spielen zu wollen, da man meistens froh ist, es überhaupt bedienen zu können (wenn man bspw. bedenkt, dass bei den großen Glocken 4 kg Gewicht benötigt werden, um sie überhaupt anzuschlagen). Dazu kommen Schwierigkeiten in der Musikproduktion politischer Seite, die ich hier nicht ausführen will, die aber sehr wohl bei den Ausführungen von Bossin schwer schlucken lassen.

Was das Instrument schafft, sind diese großartigen „feeling like an Idiot“ Momente, die Musik greifbar und verständlich machen: Als Stefan im Glockenturm stand konnte ein ähnliches Bild entstehen, wie ich es bei Erwin Wurms „One Minute Sculpture“ betitelt „feeling like an idiot“ selber machen konnte. Mitten drin zu sein, und doch irgendwie überstülpt. Unsicher der eigenen Wahrnehmung - bestuhlt, beglockt, besolenoid. Ja doch, das hat etwas mit Musik zu tun. 

Die Frage ist natürlich "was genau?"
Es ist meiner Meinung nach das "Sich-Rantasten-können", selber die Möglichkeit zu erhalten den Stuhl wieder abzunehmen, oder ihn eben bewusst aufzusetzen. In der Neuen Musik werden uns immer wieder Stühle aufgesetzt; ob akustisch, oder abstrakt-theoretisch. Die Frage ist, wie den Stuhl abnehmen?

Nach diesen Konzerten ging es noch einmal in die Philharmonie: Am Mittwoch, dem 06.09. spielte das Royal Concertgebouw Orchestra Amsterdam dort das Stück IN-SCHRIFT von Wolfgang Rihm und Bruckners Neunte. 

Ich bin ehrlich: Rihm ist für mich immer wieder ein Favorit! Auch wenn ich beim Hören von Rihm'schen Werken oftmals denke, dass man die Stücke noch hätte eindampfen können, da sie sehr oft sehr langatmig sind, finde ich seine "Bauchmusik" einfach großartig. Gerade das Bild Kreuze aus Tutuguri, Schlagzeuge (ich glaube es waren 6) plus Chor(-einspielungen) halte ich selbst für ein großartiges Werk!

Und jetzt bin ich eben doch wieder selbst in der "Musik an sich"-Perspektive, die ich eigentlich nicht reproduzieren möchte. 

Kontext also.

Das Konzert - das kann man glaube ich ehrlich sagen - war eher von Bruckner-Hörern besucht. Die Neunte wurde heftig beklatscht, während ich schon nach 20 Minuten mich nach dem Ende sehnte. Bruckner ist irgendwie so: Immer wenn du denkst, es ist vorbei, kommt eine weitere Durchführung oder Wiederholung. Im Gegensatz zu Rihm, dem ich auch das Eindampfen vorschlage, wäre das bei Bruckner tatsächlich eine existentielle Frage: Ich finde die Musik kaum hörbar. Umso erfrischender ist die IN-SCHRIFT. Man hätte das Werk gerne in dem Raum gehört, für den es komponiert wurde (Markusdom in Venedig), da hier die kurz und laut angerissenen Töne den Hall, und damit die Tiefe des Raums sicherlich gut ausgelotet hätten. Dennoch verleitet mich Rihm immer wieder dazu selbst inspiriert zu werden - die Musik ficht mich an. Das komponierte Bauchgefühl macht etwas mit mir. Irgendwie nimmt es für mich den Stuhl ab.

Montag, 20. Februar 2017

Sofia Gubaidulina - a selection

A selection of various works by Sofia Gubaidulina.
Her musical language brings together all kinds of idioms from music history.
Her works are powerful and expressiv.

Sonntag, 19. Februar 2017

György Kurtág - a selection

A small selection of works by György Kurtág.
He is one of the great hungarian composers like Bartók & Ligeti.
His work is challenging in its intense minimalism and radical concentration.

Dienstag, 14. Februar 2017

Igor Stravinsky - The Firebird

Igor Stravinsky's The Firebird in a fine rendition by Pierre Boulez and the Chicago Symphony Orchestra is one of the fabulous things you can find on youtube today. This french-russian highlight of late romantic early modern orchestral music is one of the major sources for many later film scores. It is not easily played and needs a very carfully directed flow to actually work its full magic.